Le film documentaire de Philippe Béziat a notamment été présenté lors de l’édition 2026 du FIPADOC (Festival International de Programmes Audiovisuel de Biarritz) :  il y a remporté le Grand Prix Documentaire Musical.

Le réalisateur nous fait entrer dans les coulisses de l'Orchestre de Paris et s'attache plus particulièrement à la virtuosité de son jeune chef, Klaus Mäkëla, un prodige finlandais âgé de trente ans qui est littéralement habité par la musique !

Pas besoin d'être mélomane ni de connaitre le répertoire pour être également envouté par les répétitions et les concerts dirigés par les divers chefs invités dont Elim Chan (native de Hong Kong) qui demande des cuivres "plus sanglants" ou Herbert Blomstedt, 97 ans, suédois naturalisé américain, qui dirige la 8e symphonie de Bruckner en bougeant à peine les doigts...

L'habile scénario donne la parole à quelques uns des 120 musiciens composant l'orchestre, qui analysent devant nous leurs coups d'archet, leur écoute des autres instruments pour mieux s'aligner avec le collectif, les raisons qui les ont amenés à rejoindre cette formation d'exception... Pour ne pas interrompre la musique, leurs commentaires s'inscrivent sur l'écran comme des cartons de films muets...

Le spectateur ressort, au bout d'une heure 1/2, enchanté, passionné, transporté, ému... en un mot heureux ! 

Je n'avais pas très envie de voir le dernier film de Gus Van Sant dont le scénario ne m'attirait guère...

Le film raconte l’histoire vraie de Tony Kiritsis, un homme ruiné à cause d’un emprunt. A Indianapolis, le 8 février 1977, il kidnappe le fils du courtier responsable de sa situation. Il réclame 5 millions de dollars et des excuses. La prise d’otage va durer 63 heures, sous les yeux de la télévision locale, puis nationale. L’Amérique se passionne pour cette affaire. Chacun choisit son camp.

Tony est-il un criminel, ou simplement une victime qui réclame justice ?

Le récit est intéressant en ce que les personnages de Tony et Richard,  respectivement et excellemment interprétés par Bill Skarsgärd et Dacre Montgomery sont complexes : le "méchant" n'est pas si fou ou dangereux qu'il n'y parait, mais plutôt victime du système et infiniment naïf, et le gentil fils à papa que l'on pourrait imaginer hautain et dédaigneux, se révèle dans toute sa fragilité face à son père (Al Pacino), figure abjecte de l'ultra capitalisme...

Le film (1h45) est un peu long mais montre bien la violence des rapports entre la classe dominante et la classe moyenne qui se perpétue aujourd'hui dans les démocraties illibérales...

A voir également pour le personnage charismatique de Fred Temple, DJ black de la radio locale, que Tony appelle pour passer dans sa célèbre émission qui diffuse de la soul et du jazz... comme une douce parenthèse dans ce monde de brutes !

En 1932, Herman J. Mankiewicz, juif de parents immigrés allemands, qui deviendra célèbre 10 ans plus tard pour son scénario de Citizen Kane, écrit The Mad Dog of Europe : un script visionnaire dénonçant la montée du nazisme en Europe, avant même l'accession d'Hitler au pouvoir.

Le film ne fut jamais tourné pour des raisons diplomatiques autant qu'économiques : les studios américains ne voulaient pas contrarier Hitler, qui aurait pu interdire leurs films en Allemagne, leur principal débouché à l'exportation...

Dans le documentaire de la britannique Rubika Shah, on découvre avec stupeur la propagation méconnue de l'idéologie nazie aux Etats-Unis durant les années 30 (des enfants, portant des chemises brunes, sont embrigadés dans des groupes, à l'image des jeunesses hitlériennes, des magasins juifs sont saccagés...)  et en particulier à Hollywood où de nombreux scénaristes et techniciens de cinéma  juifs sont licenciés...

Entremêlant images d'archives et interviews de Ben Mankiewicz (le fils d'Herman, acteur de métier) et de Nick Davis (scénariste américain), le récit nous scotche à nos fauteuils même si le déroulé est un peu elliptique... et ne creuse pas assez, de mon point de vue, la personnalité si particulière d'Herman Mankiewicz !

L’histoire de ce film jamais produit résonne avec les fractures de plus en plus menaçantes de notre époque...

Le film est directement inspiré de la vie de la réalisatrice, Carla Simon. Comme le personnage principal de Romería, cette dernière, orpheline de mère et père, a dû reprendre contact avec ses grands-parents à l’âge de dix-huit ans afin de récupérer le certificat de décès de ses parents, nécessaire à son entrée à l’université. 

Carla Simon a choisi pour interpréter Marina, l'héroïne du film, une ravissante actrice Llucia Garcia dont c'est le premier rôle au cinéma. 

Guidée par le journal intime de sa mère qui ne l’a jamais quittée, elle se rend, invitée par un de ses oncles, en Galice pour se rapprocher de sa famille paternelle qu’elle ne connait pas. 

Marina rencontre les différents membres de cette famille bourgeoise qui vit dans une magnifique villa au bord de l'océan atlantique...

Alternant les repas, les fêtes et les sorties en mer à bord d'un magnifique voilier, le scénario sans volonté de logique linéaire, nous permet de comprendre peu à peu ce qui s'est joué au début des années 80, peu de temps après sa naissance, dans le contexte de la Movida, si bien décrit par Pedro Almodovar...

Encensé par la critique, le film qui faisait partie de la sélection du festival de Cannes 2025, ne m'a pas entièrement convaincue malgré le talent de cette révélation féminine : trop long (près de 2 heures), trop foisonnant et finalement assez prévisible...

Le second long métrage de David Roux ne tient pas ses promesses... 

On ressort du film avec une impression de déjà vu : la dénonciation du patriarcat et de la riche bourgeoisie catholique est un thème qui a été très souvent abordé et avec beaucoup plus de talent...

L'accent est mis par le réalisateur sur l'enfermement de Marianne (Mélanie Thierry), l'épouse de l'héritier d'une riche famille industrielle de province (Eric Caravaca), où les hommes meurent vieux mais sans passer par la case EPHAD et les femmes, si tant est qu'elles manifestent un peu de personnalité, sont traitées d'hystériques et abruties de médicaments... 

Au décès de sa mère, le fils ainé décide pour toute sa famille : il rachète la grande maison familiale, dédommage ses soeurs et frère et décrète que sa femme Marianne s'occupera du patriarche aigri...

Marianne dit non mais très rapidement accepte de continuer à jouer les faire-valoir (elle est très belle) de cette famille, mais son mari ne la respecte pas car elle est issue d'un milieu modeste, ne lui a donné un fils qu'après de longues années de vie conjugale et présente, de son point de vue, des failles émotionnelles.

Écartelée entre ses devoirs de mère et d'épouse et ses désirs, Marianne perd peu à peu pied dans cette maison qui devient son tombeau...

Quand un homme issu de son passé (Jérémie Renier) refait surface, Marianne semble se réveiller pour oser interroger sa vie...

Dommage que Mélanie Thierry semble devoir se cantonner à des personnages de femmes "mélancoliques" comme dans le récent "Connemara" et dommage surtout que toutes les autres figures du film soient aussi caricaturales !

La Ballade de Souchon a été créée le 26 janvier 2023 au Studio-Théâtre de la Comédie-Française. 

La pièce a été conçue et mise en scène par Françoise Gillard qui réunit un plateau intergénérationnel composé de six comédiennes / chanteuses (en alternance), deux musiciens et une musicienne.

Sur un plateau chaleureux, meublé de canapés moelleux, les six artistes nous racontent la vie d'Alain Souchon depuis son enfance jusqu'à nos jours où il tutoie les 80 ans...

Avec légèreté, tendresse et humanité, elles nous font revivre les textes de cet artiste solitaire, mélancolique, dandy séducteur habité par la poésie.

Le spectateur invité à partager cet intermède chanté, parlé et dansé se replonge dans les paroles qu'il a écoutées ou fredonnées, dans les mélodies intemporelles qui l'ont accompagné tout au long de sa vie (Foule sentimentale, Allo maman bobo, J'ai 10 ans, Ultra moderne solitude, Sous les jupes des filles...)

Les six comédiennes dont trois de la Comédie Française (Françoise Gillard, Melissa Polonie et la grande Dominique Blanc) sont époustouflantes de naturel !

La mise en scène très enjouée de Françoise Gillard nous réserve quelques surprises qui font sourire et se souvenir...

Courez voir ce spectacle musical repris pour 18 représentations exceptionnelles au Théâtre Montparnasse (jusqu'au 11 avril) !