expos

Pour les amoureux de la photographie, la galerie Catherine et Frédéric Portal expose à Saint Jean de Luz une vingtaine d’œuvres de Fabrice Michaudeau qui célèbrent tout à la fois la lenteur et le mouvement : prendre le temps de regarder la nature, s'imprégner de l'ambiance d'une ville, et capter le mouvement des vagues et de la vie urbaine !

Fabrice Michaudeau explique sa vocation et son ambition actuelle :

"Photographe indépendant, pendant plus de 20 ans j’ai construit ma carrière au sein de l’industrie de l’image. Ancien graphiste, j’ai su développer un regard précis, structuré et exigeant, que j’ai progressivement affiné en me consacrant à la photographie à plein temps.

Pendant plus de 10 ans, j’ai collaboré avec les plus grandes banques d’images internationales en produisant des photos riches et variées destinées aux marchés éditoriaux, publicitaires et institutionnels. Mon travail, à la fois rigoureux et créatif, a illustré des milliers de publications à travers le monde.

Établi depuis quinze ans au Pays basque, cette région, m’offre un environnement inspirant et propice à la création qui me permet de me recentrer aujourd’hui sur des projets plus personnels qui me tiennent à cœur, à la croisée de la photographie et de la création visuelle.

Ces nouvelles explorations marquent un retour à l’essentiel : raconter, avec sensibilité et justesse, ce qui nous relie à nos environnements, à nos gestes quotidiens, à nos territoires."

A voir jusqu'au 12 juillet !

La galerie Catherine et Frédéric Portal expose un peintre madrilène autodidacte d'origine basque, qui  a travaillé comme scientifique / géologue pendant 10 ans. Depuis 1994, il se consacre uniquement à la peinture et connait  un grand succès commercial

Fasciné par la ville et ses mystères, il la peint comme nul autre ; des bâtiments aux murs blancs ou de couleur vive, neufs ou délabrés, des angles, des perspectives inhabituelles... sous le bleu du ciel implacable...

Le peintre se rend fréquemment en Amérique pour étudier le paysage urbain sur les côtes est et ouest ; il cherche des friches urbaines, flashe sur des objets, incorporant parfois une figure humaine à la fois présente et absente de l'environnement qui lui sert de toile de fond...

Son excellent contrôle de la peinture acrylique sur lin offre un cadrage étroit, unique, que personne ne remarquerait en parcourant ces espaces où la banalité s'exprime à travers la simplicité d'une forme géométrique ! 

La ville existe par elle même, ni belle ni laide mais elle constitue une présence permanente où les personnages ne font que passer !

A voir jusqu'au 25 mai à Saint Jean de Luz !

 

Ouverte en mars 2022 au cœur du 30, avenue Montaigne, La Galerie Dior célèbre le travail visionnaire de Christian Dior et de ses successeurs. Au gré d’un récit scénographique unique et renouvelé deux fois par an, la galerie musée symbolise à elle seule l’esprit de la haute couture parisienne autant qu’elle perpétue la mémoire de cette adresse historique.

Le début et la fin de l’exposition se positionnent autour d’un majestueux escalier entouré par une somptueuse vitrine sur 4 niveaux, garnie de robes miniatures et d’objets symboles de la marque dont les couleurs constituent une palette polychrome...

Le parcours très bien pensé et varié présente évidemment le travail de Christian Dior (dont le premier métier fut d'être galeriste), mais aussi les œuvres de ses successeurs : Yves Saint Laurent, Marc Bohan, Gianco Ferré, John Galliano, Raf Simmons... 

Très fréquenté par un public jeune et international, le lieu nécessite une réservation pour ne pas faire trop de queue ! 

À l’occasion du 300e anniversaire de sa naissance, le Petit Palais rend hommage à ce peintre de portraits et de scènes de genre qui sut traduire plus que tout autre l’âme humaine. Cette exposition propose de redécouvrir l’œuvre de Greuze au prisme d’un thème central dans sa peinture : l’enfance.

En écho aux préoccupations des philosophes Diderot, Rousseau ou Condorcet, l’artiste invite à méditer la place de l’enfant au sein de la famille, la responsabilité des parents dans son développement et l’importance de l’éducation pour la construction de sa personnalité.

Avec empathie, l’artiste questionne la place de l’enfant au sein de la société du XVIIIe siècle, son devenir, son émancipation. Il se fait le miroir des grands enjeux de son époque. Il interroge aussi le basculement dans l’âge adulte et la naissance du sentiment amoureux.

Avec les codes de son temps, il aborde le thème du consentement, d’une saisissante actualité aujourd’hui.

Cette exposition, qui réunit une centaine de peintures, dessins et estampes provenant du monde entier, offre l’opportunité de redécouvrir l’œuvre singulière de cet artiste majeur du siècle des Lumières.

L'exposition se termine dimanche 25 janvier mais il faut aller admirer ses portraits d'enfants et ses sanguines saisissants de modernité - J'avoue avoir moins apprécié les "scènes de genre" qui, comparativement, paraissent datées

En 1901, Berthe Weill ouvre une galerie au 25 rue Victor-Massé, dans le quartier de Pigalle. Elle choisit alors de s’engager aux côtés des artistes de son temps en contribuant à leur révélation puis à l’essor de leur carrière, malgré des moyens limités. Parmi eux, se trouvent certains des plus grands noms des avant-gardes, comme d’autres aujourd’hui moins en vue. Avec un enthousiasme et une persévérance sans faille, elle a été leur porte-voix et les a soutenus pendant près de quarante ans jusqu’à la fermeture de sa galerie en 1940, dans le contexte de la guerre et de la persécution des Juifs.
Dès 1933, elle avait publié ses souvenirs de trois décennies d’activité sous le titre « Pan ! Dans l’œil… », faisant œuvre de pionnière de ce genre littéraire.

Connu pour ses scènes intimistes et ses clairs-obscurs d’une grande intensité, Georges de La Tour dont la production est restreinte est peu exposé.

L'exposition du musée Jacquemart André qui est la première grande rétrospective française depuis 1997, présente plus de 30 chefs-d’œuvre sur la quarantaine d’œuvres connues de l'artiste...

Peintre du peuple plus que de la cour, Georges De La Tour sublime la solitude de ses sujets dont il fait le portrait et redonne visage et dignité aux figures marginales et populaires : musiciens aveugles, vieillards, paysans...

Bien qu’aucun voyage en Italie ne soit attesté, Georges de La Tour est influencé par Caravage, dont le style rayonne alors dans toute l’Europe. Ses tableaux se distinguent toutefois par un réalisme et des compositions sobres, qui contrastent avec l’intensité dramatique des toiles caravagistes italiennes.

Fasciné par les jeux de lumière artificielle, il réalise plusieurs scènes nocturnes à la chandelle — parmi lesquelles La Femme à la puce, Job raillé par sa femme ou encore Les Joueurs de dés — devenues emblématiques.

La flamme vacillante d’une bougie s’impose également comme sujet central de ses œuvres (Nouveau-Né, Madeleine pénitente) : elle accentue la densité des matières et confère à ses toiles une intensité à la fois poétique, fragile et intemporelle.

S’il s’intéresse aux scènes de jeux (Le Tricheur à l’as de carreau, Les Joueurs de dés) et à la peinture de genre, Georges de La Tour est surtout reconnu pour ses toiles religieuses, empreintes d’une intensité spirituelle remarquable sous leur apparente simplicité.

A voir malgré l'affluence jusqu'au 26 janvier 2026 !

Le 28 avril 1925, un vent de modernité souffle sur Paris. L'exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes est inaugurée par le président de la République Gaston Doumergue, en présence de 4000 privilégiés.

Installée entre le Grand Palais et les Invalides, l’exposition reflète le bouillonnement créatif d’une société d’après-guerre en pleine transformation et va réunir 16 millions de visiteurs.

Véritable tremplin pour le style Art déco, elle met en avant des personnalités visionnaires tels qu' Auguste Perret, Henri Sauvage, Le Corbusier et Robert Mallet-Stevens.

Sous la direction de Charles Plumet, les pavillons audacieux construits pour l’occasion explorent de nouvelles approches architecturales, urbaines et décoratives, tout en s'efforçant de rester fidèles aux caractéristiques de chaque région.

L'exposition de 1925 est la première exposition internationale à se doter d'une sélection dédiée aux parcs et jardins : une vingtaine de jardins éphémères sont conçus d'après les caractéristiques des années 20 : carrés, rectangles et motifs épurés dessinent des espaces sobres et géométriques. A l'issue de l'exposition, plusieurs créateurs recevront des commandes comme Gabriel Guevrekian à la villa Noailles à Hyères.

Le parcours proposé offre une reconstitution immersive de l’exposition, notamment grâce à des maquettes virtuelles. Les visiteurs pourront redécouvrir les édifices emblématiques et les parcours créatifs des grands noms de l’architecture moderne, tout en explorant les liens entre leurs œuvres et le concept émergent de modernité.

Que reste-t-il de l’Exposition de 1925 ? Peu de choses hélas ! Les pavillons avaient une vocation éphémère, ils ont donc été démontés. Quant à leur contenu, il a été dispersé au gré des opportunités. Le bureau aménagé par Chareau à l’Ambassade française se trouve ainsi au musée des Arts décoratifs de Paris, quand l’immense toile représentant Les Sports d’Henri Marret pour la Cour des métiers orne un lycée de Saint-Brieuc. Le seul élément architectural conservé, c’est la Pergola de la France qui ornait ce même pavillon. Sur le thème des légendes celtiques, un aréopage de sculpteurs, parmi lesquels Pompon, les frères Martel ou Ossip Zadkine, a réalisé seize plaques décoratives. Cette pergola se trouve aujourd’hui dans le square de la Douce France à Étampes.

A voir à la Cité de l'Architecture jusqu'au 29 mars 2026 !

A voir en complément jusqu'au 26 avril au musée des Arts décoratifs, "Cent ans d'Art Déco", voyage au cœur de la création des Années folles et de ses chefs d’œuvre patrimoniaux !