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L'exposition, conçue par Biba Giacchetti, est la plus vaste et la plus complète (150 photographies tirées en grand format), dédiée au grand photographe américain et à ses quarante ans de carrière.

L’exposition se déroule en plusieurs parties. Elle débute par une sélection de photographies en noir et blanc, prises par Steve McCurry entre 1979 et 1980, lors de son premier voyage en Afghanistan : entré déguisé sur le territoire et guidé par un groupe de Mujahidin qui combattait l’armée soviétique et afghane.

Puis on découvre une longue série de portraits et de paysages savamment éclairés qui nous font voyager de l’Afghanistan à l’Inde, de l’Asie du Sud-Est à l’Afrique, du Brésil aux États-Unis,  en nous faisant entrer dans un univers riche en émotions !

Le travail de Steve McCurry nous plonge au cœur des conflits, des cultures en voie de disparition, mais également d'évènements contemporains comme le 11 septembre 2001.

On y retrouve ses clichés les plus célèbres, à l’instar du portrait puissant de la jeune afghane aux yeux verts Sharbat Gula (12 ans), prise en 1984 dans le camp de réfugiés de Nasir Bagh, dans le Nord Est du Pakistan, qui avait ému le monde entier... que Steve McCurry a retrouvée en 2002 !

On peut également y admirer ses clichés les plus récents et de nombreuses photographies inédites, jamais dévoilées au public.

D’emblée, les regards des sujets du reporter américain de 72 ans nous fascinent : un petit garçon au regard dur et à la peau marquée, burinée par la vie, un fusil à la main, un mineur couvert de charbon défiant ses poumons déjà endommagés en fumant une cigarette, un très jeune Péruvien braquant le canon d’un calibre sur ses tempes mouillées de larmes...

Fasciné par l'Inde, un de ses premiers voyages, Steve McCurry  y retournera plus de 80 fois !

De l'Inde au Pakistan, du Yémen à la Chine, en passant par la Birmanie, le Tibet... on découvre des palettes de couleurs inouïes cadrées par l’œil expert et bienveillant du reporter photographe !

A voir jusqu'au 29 mai !

A l'Atelier des Lumières, un nouveau spectacle réunit Cézanne (1839-1906) et Kandinsky !

L'ambiance des expositions officielles des années 1860 fait écho aux heures que passe Cézanne à contempler et à reproduire les toiles des maîtres qu'il admire au Louvre... mais cette atmosphère empreinte d'académisme est bouleversée par l'irruption d'un motif qui lui est cher : la pomme !

Après les années 1870 consacrées aux paysages d'Auvers sur Oise, Cézanne retourne régulièrement en Provence et plus particulièrement dans les années 1880 où il effectue un séjour prolongé entre Gardanne, L'Estaque et le Jas de Bouffan...

Cézanne est coutumier des portraits et des autoportraits qu'il réalise à partir de photographies !

Motif cézanien par excellence, la montagne Sainte Victoire occupe une place toute particulière dans l’œuvre de l'artiste qui en réalisera 44 huiles et 43 aquarelles !

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Pionnier de l'art abstrait, Kandinsky (1866-1944) vient à la peinture relativement tard comme Cézanne à 30 ans...

Ses recherches sur la symbolique de la couleur et des formes font écho à celles de Cézanne : les deux peintres contestent la vision objective du réel et privilégient l'intériorité du peintre...

Après avoir peint des personnages de contes et légendes du folklore russe, Kandinsky  entame son chemin vers l'abstraction, voyageant de Moscou à Paris, en passant par l'Allemagne !

Un double spectacle d'une heure environ pour les grands et les petits !

Nichée sur les coteaux de Passy, la Maison de Balzac est la seule des demeures parisiennes du romancier qui subsiste aujourd'hui. C'est dans le cabinet de travail que Balzac a corrigé, de1840 à 1847, l'ensemble de La Comédie humaine. À travers la présentation de portraits de l'artiste ou de ses personnages, de peintures, gravures, dessins, et à l'aide d'une scénographie originale, le musée incite le visiteur à s'interroger sur Balzac et suggère des chemins originaux pour conduire à la découverte comme à la relecture de La Comédie humaine.

Doté d'une vue sur la tour Eiffel, le jardin de la maison a été entièrement refait et s'étend sur 650 mètres carrés

Un café, une gourmandise et un peu de lecture grâce à la mise à disposition d’ouvrages de Balzac, avec la possibilité de s’installer en terrasse quand le temps s’y prête : telle est l'expérience que nous propose le café Rose Bakery, qui s'est installé dans le jardin de la Maison de Balzac.

La prochaine fois, je privilégierai une visite aux beaux jours pour profiter du jardin et du café !

Toute sa vie, Paul Signac (1863 - 1935), a collectionné les œuvres, jusqu’à réunir un ensemble de près de 300 peintures et dessins, sans compter les estampes japonaises, les céramiques et les livres rares.

Sa collection, dans laquelle se côtoient néo-impressionnistes, Nabis et fauves, reflète le regard et les partis-pris d’un artiste très actif sur la scène artistique de son temps.

L’exposition retrace les goûts et les amitiés d’un des plus grands artistes de son temps.

Le musée Nissim-de-Camondo, inauguré en décembre 1936, est situé dans le 8ᵉ arrondissement de Paris, dans l'hôtel Moïse de Camondo, construit par René Sergent entre 1911 et 1914 en bordure du parc Monceau.

Tout au long de sa vie, Moïse de Camondo (Istanbul, 1860-Paris, 1935), amateur d'art éclairé, a collectionné boiseries, tapisseries, tapis, mobilier et objets d'art, créés par les manufactures royales et les plus talentueux artisans du XVIIIe siècle

En mémoire de son fils Nissim tué à 28 ans durant la première guerre mondiale, il a légué au musée des Arts Décoratifs l’œuvre d'une vie, témoignage du Paris élégant de la Belle Epoque

Un an après l’explosion du 4 août 2020 qui a ravagé le port de Beyrouth, l’Institut du monde arabe rend hommage à la vitalité et à la résilience de la scène artistique libanaise.

Lumières du Liban révèle les onze lauréats de l’appel à projet, lancé auprès de jeunes artistes du Liban (21-35 ans) en 2020. Invités à concevoir, dans le médium de leur choix, une œuvre évoquant Beyrouth telle qu’ils la sentent, la voient ou l’imaginent

Cet appel a été initié et financé par le Fonds Claude et France Lemand-IMA, au lendemain de l’explosion des silos portuaires beyrouthins, afin d’atténuer, autant que faire se peut, son impact sur le réseau artistique de la ville, déjà fortement touché par la crise économique et sanitaire.

L’exposition célèbre également la prodigieuse créativité des artistes modernes et contemporains du Liban et de ses diasporas, du lendemain de son indépendance en 1943 jusqu’à nos jours.

Lumières du Liban qui réunit de nombreuses œuvres : peintures, dessins, sculptures et objets, livres d’artiste, photographies et vidéos, estampes, textiles, céramiques et installations... retrace en filigrane sept décennies d’histoire de l’art que scandent l’effervescence de 1950 à nos jours,  les déchirures de la guerre civile et de l’exil, le bouillonnement artistique de la mondialisation...

À travers cette sélection, l’exposition met en avant des personnalités et des prises de positions esthétiques d’artistes, tout autant du Liban que de ses diasporas, avec une attention particulière aux trajectoires qui révèlent le dialogue ininterrompu entre Beyrouth et Paris. Elle témoigne aussi de la liberté de penser et de créer que des artistes d’autres contrées du monde arabe ont trouvé à Beyrouth. En effet, cette ville-lumière de l’Orient a été le berceau de la Nahda laïque libanaise, qui a promu une renaissance des lettres et de la pensée politique et sociale visant à inscrire le monde arabe dans la modernité.

La lecture des étiquettes de chacune des œuvres permet de mieux comprendre les émotions et les intentions des artistes : essentielles pour entrer dans les peintures "coups de poing" réalisées un an après l'explosion du port de Beyrouth, mais également pour s'imprégner des influences artistiques qui sous tendent les créations antérieures !

A voir jusqu'au 2 janvier sans oublier de monter sur la terrasse où la vue sur Paris est magnifique ni de flâner dans la librairie de l'IMA, très riche en ouvrages et en objets !

Le Centre Pompidou présente la première rétrospective en France de Georgia O’Keeffe (1887 – 1986), l’une des plus grandes figures de l’art nord-américain du 20^e siècle. Riche d’une centaine de peintures, dessins et photographies, l'exposition propose un parcours complet à travers sa carrière artistique. Disparue à 98 ans, Georgia O’Keeffe aura traversé l’essentiel des aventures esthétiques du siècle précédent.

Le parcours de l’exposition, délibérément fluide et ouvert, déroule chronologiquement la trajectoire artistique de Georgia O'Keeffe ; des premiers vertiges « cosmiques » que lui inspire l’immensité des plaines texanes en 1910, aux métropoles et aux paysages ruraux de l’État de New York des années 1920-1930, jusqu’au Nouveau Mexique, où elle s’établit définitivement après la Seconde Guerre mondiale.

Alfred Stieglitz est le premier à exposer les dessins de Georgia O’Keeffe à la galerie 291 ; un coup de foudre artistique, puis amoureux s’opère entre la jeune peintre et le photographe qui consacrera dès lors chaque année une exposition aux œuvres récentes d’O’Keeffe. Il associe à sa peinture les « plumes » les plus perspicaces de la critique de son temps, contribuant à sa reconnaissance publique et à conforter sa place sur un marché de l’art en pleine expansion. En 1929, elle est la première artiste femme à intégrer les expositions du MoMA qui vient d’être créé. Plus tard, elle est la première encore à qui les plus grands musées américains consacrent une rétrospective (Chicago en 1943, le MoMA en 1946). Pour la génération d’artistes féministes des années 1960, Georgia O’Keeffe fait figure de « brise-glace », elle est celle qui ouvre la voie à la reconnaissance d’un art qui n’est plus nécessairement associé au genre de son auteur.

Au-delà des peintures de fleurs qui ont fait sa renommée, l’exposition « Georgia O'Keeffe » restitue à son œuvre sa complexité et sa richesse iconographique. Des gratte-ciels de New York et des granges de Lake George aux ossements de bovins qu’elle rapporte de ses promenades dans les déserts indiens, la peinture de Georgia O’Keeffe se réinvente au cours des décennies. Si l’inspiration végétale est un motif récurrent de l’artiste, l’exposition la replace dans une tradition qui s’enracine dans le grand sentiment de la nature hérité du Romantisme historique. Réinventé par le panthéisme de l’écrivain D.H. Lawrence, il innerve l'œuvre d’O'Keeffe et teinte d’érotisme ses paysages et motifs végétaux.

Une interview filmée de l'artiste à la fin de sa vie complète l'exposition, à voir jusqu'au 6 décembre !