expos

À la fin des années 1950, le Pop Art déferle des deux côtés de l’Atlantique, en Amérique du Nord comme en Europe. La bande-dessinée, la publicité, le cinéma, les célébrités, les robots ménagers et la presse à scandale deviennent des sujets de peinture, quand ils ne sont pas des peintures en soi, des images photographiques collées ou reproduites mécaniquement sur des toiles. Les œuvres Pop célèbrent non sans ambiguïté les noces de l’art et de la culture populaire, des musées, des galeries et de l’industrie culturelle. Sans manifeste et sans frontière, le Pop désigne bien au-delà de la sphère artistique une esthétique qui prévaut encore aujourd’hui. Il est difficile de dire quand commence le Pop et assurément impossible d’en fermer le chapitre.

Au travers d’une sélection de 150 peintures et œuvres de divers matériaux, le parcours est centré autour de Tom Wesselmann (1931-2004), une des figures de proue du mouvement, qui poursuit volontairement les genres classiques de la peinture (la nature morte, le nu, le paysage) tout en élargissant l'horizon de son art, tant par ses sujets que par ses techniques. À mi-chemin entre peintures et sculptures, ses œuvres incorporent aussi des éléments multimédias (lumière, mouvement, son, vidéo). Quant à ses immenses et spectaculaires Standing* Still Lifes, à la croisée de la peinture et de l’installation, elles ont imposé un format jusque-là inédit.

Il regroupe, en outre, 70 œuvres de 35 artistes de générations et nationalités différentes qui partagent une sensibilité « Pop », allant de ses racines dadaïstes à ses prolongements contemporains, des années 1920 à nos jours.

A voir jusqu'au 24 février 2025

Pinault Collection présente à la Bourse de Commerce, une exposition d’envergure dédiée à l’Arte Povera. Entre héritage et influence, l’exposition traverse plus de 250 œuvres historiques, contemporaines, et issues de ce courant artistique italien majeur des années 1960.

Trouver une définition de ce mouvement est impossible, et heureusement car ce serait trahir ces rebelles à l'ordre établi, cette volonté de liberté, cette utilisation de matériaux simples et ce désir fou de mêler vie quotidienne et histoire de l'art dans leurs œuvres. Et ce serait enfermer ces femmes et hommes qui ont la volonté de dénoncer, avec subtilité et parfois humour, la société dans laquelle ils vivent.

Quand naît l'Arte povera, dans les années 1960, l'Italie vit plusieurs traumatismes et doit relever des défis : s'éloigner de l'Italie de Mussolini et soigner ses cicatrices de la Seconde Guerre mondiale, mais aussi affronter "le miracle italien", cette industrialisation à marche forcée.

Les treize principaux protagonistes de l’Arte Povera : Giovanni Anselmo, Alighiero Boetti, Pier Paolo Calzolari, Luciano Fabro, Jannis Kounellis, Mario Merz, Marisa Merz, Giulio Paolini, Pino Pascali, Giuseppe Penone, Michelangelo Pistoletto, Emilio Prini et Gilberto Zorio ont cherché à orienter radicalement le langage artistique vers de nouveaux horizons en inventant une définition plus large de la création.

L’acceptation de la contradiction et de la complexité, liée à un sens de l’ouverture, de la fluidité et de la subjectivité changeante, place les pratiques du courant au-delà du modernisme et résonne bien au-delà des frontières de l’art contemporain occidental.

A l’intérieur et à l’extérieur de la Bourse de Commerce, plusieurs artistes ont été invités à installer des œuvres in situ qui dialoguent avec l’architecture et le parcours de visite.

A voir jusqu'au 20 janvier 2025

De 1850 à nos jours, cette exposition pluridisciplinaire réunit à la Cité de l'Architecture et du Patrimoine au Trocadéro, près de 500 œuvres originales provenant des collections inédites des grands magasins qui reflètent les évolutions de nos sociétés à travers leurs architectures éblouissantes.

Leur âge d’or se situe entre 1850 et 1930 parallèlement à l’essor des transports et de l’industrie. A cette époque, ils révolutionnent les modes de consommation tout en inventant une organisation sociale nouvelle, souvent comparée à une ruche, avec une multitude d’employés sous la supervision d’un fondateur charismatique.

Entre 1930 à 1980, les grands magasins font face à l'émergence des supermarchés et hypermarchés. Pour survivre, ils deviennent des "machines à vendre", avec des stratégies marketing et une rationalisation des espaces. Ils maintiennent leur influence en proposant un art de vivre et en participant à la révolution du prêt-à-porter.

À partir des années 1980, les crises économiques et la concurrence des grandes surfaces entraînent une remise en question des grands magasins. Certains ferment tandis que d'autres renouent avec leur identité architecturale. De nos jours, le commerce en ligne pousse les grands magasins à se réinventer sans cesse, en offrant des expériences uniques et des services toujours plus nombreux.

A voir jusqu'au 6 avril 2025

L'angle adopté par le musée pour cette nouvelle exposition Caillebotte (1848-1894) est la prédilection du peintre pour les figures masculines et les portraits d’hommes...

Caillebotte prend pour sujet son environnement immédiat (le Paris d’Haussmann, les villégiatures des environs de la capitale), les hommes de son entourage (ses frères, les ouvriers travaillant pour sa famille, ses amis régatiers...)

Il fait entrer dans la peinture des figures nouvelles comme l’ouvrier urbain, l’homme au balcon, le sportif ou encore l’homme nu dans l’intimité de sa toilette.

À l’époque du triomphe de la virilité et de la fraternité républicaine,  la nouveauté et la puissance de ces images  questionnent aussi bien l’ordre social que sexuel. Au-delà de sa propre identité, celle de jeune et riche célibataire parisien, Caillebotte porte au cœur de l’impressionnisme une profonde interrogation sur la condition masculine.

L’exposition, composée d’environ 70 œuvres (dont beaucoup viennent de collections privées), réunit les plus importants tableaux de Caillebotte (dont on peut admirer certains dans sa maison de Yerres, les autres venant de musées américains), mais aussi des pastels, dessins, esquisses, photographies et documents.

A voir jusqu'au 19 janvier 2025

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Profitant de ma présence à Orsay, j'ai également visité l'exposition "Harriet Baker (1845-1932) -  La musique des couleurs", qui nous permet de découvrir l’œuvre  de cette femme peintre norvégienne, méconnue hors des frontières de son pays : célèbre pour son usage de coloris riches et lumineux, en s'inscrivant dans le courant réaliste...

Pour ma part, j'ai particulièrement apprécié ses scènes d'intérieur (plutôt que ses tableaux pastoraux et religieux)

A voir jusqu'au 12 janvier 2025

Pour son exposition de réouverture, après plus d’un an de travaux, le Musée Jacquemart-André présente une quarantaine de chefs-d'œuvre d’artistes célèbres de la Renaissance et de la période baroque de la célèbre Galerie Borghèse, rarement prêtées à l’étranger : du Caravage à Rubens, en passant par Botticelli, Raphaël, Titien, ou encore Véronèse, Antonello da Messina et Bernin.

La Villa Borghese Pinciana, qui abrite aujourd’hui la Galerie Borghèse, fut construite entre 1607 et 1616 sur ordre du puissant cardinal Scipion Borghèse (1577-1633), neveu du pape Paul V (1550-1621). S’inspirant des luxueuses villas romaines, Scipion souhaitait consacrer ce palais entouré de jardins à l’exposition de ses collections d’œuvres antiques et de peintures et sculptures modernes.

Il s’est ainsi imposé comme l’un des premiers et des plus importants collectionneurs et mécènes de l’histoire de l’art moderne, faisant de la Villa Borghese un véritable musée avant la lettre. Selon ses dernières volontés, l’ensemble de ses collections et de ses propriétés fut transmis génération après génération sans être dispersé pendant près de deux cents ans, et les héritiers Borghèse poursuivirent l’enrichissement du patrimoine familial.

Au début du XIXe siècle, plusieurs centaines de sculptures antiques furent néanmoins cédées à Napoléon Bonaparte par son beau-frère, le prince Camille Borghèse (1775-1832) ; leur absence a été progressivement comblée par de nouvelles acquisitions. La famille Borghèse finit par vendre la villa et son musée à l’État italien en 1902.

A Rome, au seuil de l'époque baroque,  le pontificat Borghèse est marqué par un intérêt renouvelé pour l'expression des sentiments et la représentation réaliste du corps humain ; illustrée principalement par Le Caravage et Annibal Carrache, cette tendance se retrouve chez Rubens qui ne s'est jamais lassé d'observer les oeuvres du Titien.

Dès la fin du XVIe siècle, le nu féminin est de plus en plus présent dans la collection et favorise l'émergence de sujets plus profanes et plus frivoles !

L'exposition se clôt avec un chef d'oeuvre du Titien rarement sorti du musée Borghèse : Vénus bandant les yeux de l'amour

Une très belle et rare exposition à voir jusqu'au 5 janvier 2025 !

Fidèle à la galerie Catherine et Frédéric Portal, Magi Puig nous convie à nouveau dans sa palette marocaine et nous fait partager son amour pour son pays en nous plongeant dans ses eaux méditerranéennes...

Né à Palou en Catalogne en 1966, le peintre dessine depuis l’enfance. Diplômé des Beaux Arts de Barcelone depuis 1989, il étudie ensuite à la Winchester School of Arts au Royaume-Uni.

Amoureux des couleurs bleues et ocres, il diversifie son œuvre en quittant l'ombre des médinas marocaines pour peindre l'éblouissement de l'eau qui devient laiteuse dans la chaleur de l'été...

Inspirés par les codes de la BD, ses tableaux constituent des décors cinématographiques saturés de couleurs, annonçant des silhouettes au détour d'un porche obscur ou dans l’entrebaillement d'une porte  !

A voir jusqu'au 15 septembre !

Le musée consacre, du 10 avril au 13 octobre 2024, une exposition à la naissance des grands magasins, qui deviennent au milieu du XIX^e siècle les nouveaux temples de la modernité et de la consommation. Au Bon Marché, Les Grands Magasins du Louvre, Au Printemps, La Samaritaine, et Les Galeries Lafayette dévoilent leurs facettes à travers l’histoire, la politique et la société, du Second Empire jusqu’à leur consécration lors de l’Exposition internationale des Arts décoratifs et industriels modernes de 1925.

Une grande partie des 700 œuvres allant des affiches aux vêtements, jouets et pièces d’art décoratifs, issues des collections du musée, permettent de comprendre l’évolution du commerce parisien à partir de 1852. Initié par des entrepreneurs audacieux, ce nouveau concept commercial engendre la création d’espaces dédiés à la femme, bouleversant le panorama de la vente et préfigurant l’avènement de la société de consommation. L’émergence de la mode et sa démocratisation, l’invention des soldes, l’enfant en tant que nouvel objet marketing mais aussi le développement de la vente par correspondance, constituent autant de thèmes développés au fil d’un parcours riche en découvertes.

Dès les années 1850, les grands magasins jettent les bases du commerce moderne et de la société de consommation dans un contexte d’essor économique. Leur naissance est directement liée aux réformes structurelles et à la politique économique volontariste mises en place par Napoléon III afin de moderniser la France : les transformations urbaines du Paris d’Haussmann, le développement des chemins de fer vantant les nouvelles destinations de villégiatures. Les grands magasins profitent de l’ascension de la bourgeoisie qui est leur première clientèle. Dans une société où se mettent en place les prémices d’une culture de masse et la naissance progressive d’une certaine modernité des loisirs, « Faire les magasins » devient, à l’instar du théâtre, du bal, du café, ou du concert, une nouvelle distraction bourgeoise. Ces grands magasins sont désormais le « royaume de la femme » décrit par Émile Zola dans ses carnets préparatoires à l’écriture d’Au Bonheur des Dames.

Le grand magasin : une révolution commerciale

Zola s’inspire directement d’Aristide Boucicaut, fondateur du premier grand magasin parisien, le Bon Marché, qu’il inaugure en 1852. Portraituré en 1875 par William Bouguereau, représentant majeur de la peinture académique, Aristide Boucicaut est le modèle de l’entrepreneur du Second Empire. Il jette les bases du commerce moderne avec des innovations commerciales majeures comme la démocratisation de la mode, l’invention des soldes et des expositions de saisons, ou encore l’enfant comme nouvelle cible commerciale et la vente par correspondance.

Le XIX^e, siècle du flâneur baudelairien, est aussi celui de la Parisienne, figure mythifiée et protéiforme, dont l’ombre marque les murs des grands magasins de la capitale. Ces temples séduisent la Parisienne, elle peut toucher, regarder et essayer. Le modèle économique sur lequel reposent les établissements – notamment la réduction des coûts de revient – rend possible la mise en place de prix défiants toute concurrence. Une grande partie de la population, française et étrangère, accède alors à des biens jusqu’alors réservés aux élites. L’habillement, dont la production se mécanise et se rationalise progressivement, n’échappe pas à ce processus de démocratisation. Les Grands Magasins du Louvre se flattent notamment d’exercer une influence sur la mode, arguant ne pas la copier mais de la créer. Certains grands magasins reprennent toutefois des modèles de couturiers et de haute couture telle une robe des Trois Quartiers datée de 1910 qui n’est pas sans évoquer les créations de Paul Poiret.

L’apparition de rayons destinés aux enfants fait écho à la place grandissante qu’ils prennent dans la famille au XIX^e siècle. Cette évolution socio-psychologique se lit dans la culture matérielle de l’époque : leurs vêtements se différencient progressivement de ceux des adultes et les jouets, comme l’illustre un habit de marin de 1910 de la Belle Jardinière ou celui dit de Highlander (1907) des Trois Quartiers. L’enfant devient rapidement une nouvelle cible, on lui propose des jeux d’optique, de construction et d’imitation mimant les métiers ou les activités de la vie quotidienne à l’image d’une machine à coudre miniature Singer.

La vente par correspondance

Au Bon Marché, Aristide Boucicaut met en place la vente par correspondance afin d’écouler une marchandise dont la production ne cesse de croître. Les catalogues de vente, richement illustrés, concourent aussi à élargir la clientèle sur le territoire et à l’étranger. Une affiche de Ferdinand Lunel rend compte de la façon dont étaient acheminées les commandes de la Place Clichy à la banlieue parisienne. Un uniforme des Trois Quartiers illustre l’univers des livreurs. D’abord annuels, ces catalogues tirés en très grand nombre, deviennent rapidement saisonniers, se multipliant avec le développement des rayons – arts ménagers, orfèvrerie, porcelaine, éclairage, tapisserie et décoration, articles de voyages. Ils permettent de suivre l’évolution des modes de vie et des goûts de la bourgeoisie en termes de mode, de décoration, d’art ménager, mais aussi de loisirs.

Les ateliers d'art

La création des ateliers d’art dans les grands magasins est un phénomène qui émerge dans l’entre-deux-guerres, avec l’apparition d’une nouvelle génération de créateurs soucieux de se regrouper et de renouveler la place des arts décoratifs. Le Printemps fait figure de pionnier en inaugurant, en 1912, l’atelier de création Primavera. Spécialisé dans la production de meubles et d’objets d’art en série, cet atelier propose des objets de décoration et du mobilier moderne à des prix abordables. Il recrute de jeunes artistes issus des écoles d’arts appliqués sensibles aux nouvelles tendances esthétiques. En 1921, les Galeries Lafayette confient la direction de leur atelier, La Maîtrise, à Maurice Dufrêne (1876-1955). Le Bon Marché initie quant à lui l’atelier Pomone, d’abord dirigé par Paul Follot (1877-1941). Enfin, Les Grands Magasins du Louvre créent le Studium‑Louvre en 1923. Étienne Kohlmann (1903-1988) prend la direction artistique du Studium en 1927 : un buffet d’exception présenté dans l’exposition, créé vers 1924, témoigne de cette implication.

Inscrite au sein du parcours permanent de la Cité de l’architecture et du patrimoine, l’exposition Notre-Dame de Paris, des bâtisseurs aux restaurateurs est une occasion exceptionnelle de (re)découvrir la cathédrale et son histoire, depuis sa construction jusqu’au chantier d’aujourd’hui.

Le 15 avril 2019, un violent incendie touche la cathédrale. À la suite de cette catastrophe, un chantier de restauration considérable se met en place, financé grâce à la générosité de 340 000 donateurs issus de 150 pays mobilisés dès la nuit de l’incendie. Le chantier est placé sous la responsabilité d’un établissement public dédié, installé le 1er décembre 2019. Le projet de restauration, présenté en juillet 2020 à la Commission nationale du patrimoine et de l’architecture et approuvé à l’unanimité, fait le choix de la fidélité au monument blessé et de l’authenticité des matériaux. Il rendra en 2024 la cathédrale Notre-Dame aux fidèles et visiteurs du monde entier.

Une aventure humaine exceptionnelle se déroule au cœur de Paris et dans de nombreux ateliers partout en France : compagnons, artisans, architectes, ingénieurs et chercheurs sont tous mobilisés afin de faire renaître l’édifice. Ces hommes et ces femmes s’inscrivent dans la longue lignée des bâtisseurs qui ont façonné l’histoire de ce patrimoine mondial de l’humanité (voir vidéos des restaurateurs)

Fruit d’une coproduction entre l’établissement public chargé de la conservation et de la restauration de la cathédrale Notre-Dame de Paris, maître d’ouvrage du chantier, et la Cité de l’architecture et du patrimoine, cette exposition offre un lien privilégié avec l’édifice pour le moment inaccessible au public. Elle permet de découvrir le savoir-faire des compagnons et artisans d’art qui œuvrent à rendre la cathédrale au culte et à la visite en 2024.

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Le musée est si grand que nous n'avons eu le temps de visiter que la galerie des moulages au rez de chaussée et la galerie des Peintures murales au niveau 3...

Passionnés par la galerie des Moulages, nous avons découvert l'impressionnante collection de moulages en plâtre, grandeur nature initiée par Eugène Viollet-Le-Duc en 1878 : de l'abbaye de Moissac à Notre Dame de Paris, de l'escalier François 1er du château de Blois, du Mont Saint Michel, de la Sainte Chapelle à l'Arc de Triomphe en passant par l'exceptionnelle cathédrale de Laon avec ses 4 tours monumentales... et nous avons raté l'heure de la visite virtuelle au cœur des données scientifiques de la restauration de Notre Dame (spectacle immersif réalisé par Dassault Systèmes - voir ci-dessous)

Nous n'avons pas eu le temps non plus de visiter le niveau 2 qui réunit des maquettes, des éléments grandeur nature, des photographies, des films d'archives et des imprimés d'une centaine d'édifices pionniers de l'architecture de 1850 à nos jours...

A voir jusqu'au 2 septembre mais en prévoyant beaucoup de temps et en se renseignant sur l'heure de la visite virtuelle immersive !

Né en 1972 à Versailles, Gérald Engelvin est un habitué de la Galerie Portal de Saint-Jean de Luz...

Peintre français autodidacte dont le travail se caractérise par une palette de couleurs délicates, mises en valeur par une facture sobre et épurée, son thème de prédilection est l'enfance, et plus particulièrement celle de ses filles !

Sa peinture nous offre de douces images intemporelles d’enfants sages, espiègles ou boudeurs, de dos ou de profils, allongés sur un canapé, occupés avec un livre, ou jouant ensemble… se prêtant au pinceau du peintre comme à un photographe... qu'ils ne regarderaient pas...

Son œuvre s'enrichit aujourd'hui d'une série de charmants "Pierrot" aux visages enfouis dans leurs pensées...

Et pour les amoureux de la Côte Basque, d'une production toute récente de toiles magnifiant l’architecture si particulière de la ville de Biarritz !

A voir jusqu'au 8 juin 2024 !