expos

Saint Jean de Luz accueille Tito et Mulk et nous fait partager leur univers sur les cimaises de la galerie Portal, en version street art au Garage et dans une jolie salle de l'hôtel de la Poste !

Tito & Mulk est la rencontre entre deux passionnés de dessin, deux individualités en phase. Issus tous deux d’une formation en design graphique, ils se sont rencontrés sur les bancs d’une agence de publicité parisienne, où ils parsemaient l’open space de gribouillages impertinents.

Depuis, ils ne se sont plus quittés : passés rapidement de la feuille à la toile, ils s’attaquent désormais à des supports de plus en plus variés, comme des murs, des meubles et des sculptures, mais aussi à la réalisation d’installations et à la customisation d’objets issus de la pop et street culture.

Ils présentent désormais leur travail en galerie, et collaborent avec des marques prestigieuses comme Adidas, BMW et le Paris Saint Germain. Se réclamant du courant figuratif / narratif, ils plaisent également à se produire en live painting à différentes occasions

Ce duo explosif, dans sa première version tranchée noir/blanc, comme les deux artistes, s’accorde dans un jeu de « cadavres-exquis » où les mots s’emmêlent, véhiculent des idées fortes et sont partie prenante du dessin. Les références idéologiques pleuvent dans cet univers de BD, mangas, super-héros et monstres.

Une évolution vers la couleur voit apparaître des fonds parfois flashy dont l’effet en aplat met en valeur le graphisme et ajoute un impact émotionnel

Une version 3.0 voit naître de fines nuances de dégradés qui donnent de la profondeur au dessin

Leurs créations sont ainsi des visions de chaos, entretenue par la profusion des détails, dans une société vide de repères. Dans cette folie exacerbée, métaphore de la vie, Tito et Mulk dénoncent un ordre mondial chaotique ainsi que ses dérives sociales et tentent une voie de sortie, un chemin à suivre en créant une note d’harmonie et d’espoir face à la dureté de la vie.

A voir jusqu'au 7 août à la Galerie Portal

La fresque du garage sera quant à elle détruite fin août

Initié très jeune à la peinture par son père artiste peintre, Christophe Ronel (né en 1964 à Rouen), manifeste un goût pour la matière, la transgression du sujet, le symbole et le signe, l’ethnographie, la littérature de voyage et le syncrétisme des cultures. Attiré par les cultures nomades et traditionnelles, il multiplie les voyages d’études en particulier en Afrique et en Asie.

Contrairement à la plupart des artistes contemporains qui s’inspirent des images du web, l'artiste glane ses idées sur le vif. Ces carnets de voyage rendent compte de la réalité foisonnante du monde tel qu’il est, avec ses paysages, ses visages, ses couleurs et ses croyances invisibles qui le doublent et l’épaississent. C’est une écriture à part, rapide, percutante. Une fois à l’atelier un autre travail commence. Un travail d’intériorisation où la réalité se transforme en poésie.

Sinuosités, hachures, inscriptions s’accordent aux lumières ocre, les rouges pourpres s’enflamment, les bleus reposent le regard. Les personnages, les paysages, les éléphants, les rhinocéros, les êtres fantastiques  vivent des aventures fabuleuses, dans des pays aux mille facettes.

Agrégé en arts plastiques, Christophe Ronel enseigne à l'Ecole Nationale Supérieure des Arts Appliqués et Métiers d'Arts Olivier de Serres à Paris à partir de 1990.
Depuis une trentaine d'années, plus de quatre-vingt expositions personnelles lui ont été consacrées, en France et à l'étranger, aussi bien dans les galeries qu'en centres culturels et musées.

Un univers à découvrir à la galerie Portal à Saint Jean de Luz jusqu'au 30 avril

L’exposition itinérante « Tous à la plage ! Villes balnéaires du XVIIIe siècle à nos jours » produite par la Cité de l’Architecture & du Patrimoine prend ses quartiers à Rambouillet ! Elle présente la singularité de l’architecture et de l’urbanisme des bords de mer en France, du XVIIIe siècle au début du XXIe siècle, au regard de nombreux exemples étrangers.

Le littoral, autrefois hostile, devient l’objet romantique d’un « désir de rivage », avant d’être la destination privilégiée d’un tourisme de masse. La pratique du bain de mer répond à une demande sociale et culturelle régie par des règles financières, économiques et commerciales toujours en évolution.

Ces problématiques peuvent être mises en parallèle avec l’histoire de Rambouillet : son domaine forestier, l’arrivée du chemin de fer en 1849, son château, lui permit de devenir progressivement un lieu de villégiature pour l’aristocratie et la bourgeoisie d’affaire et industrielle, avant d’attirer les excursionnistes franciliens.

L’histoire du Palais du roi de Rome remonte à 1783, quand le roi Louis XVI fait l’acquisition du domaine de Rambouillet. Commencé dès 1784, l’hôtel destiné au logement du gouverneur du Domaine est élevé sur une partie des jardins du château. Un second hôtel du Gouvernement est reconstruit sous l’Empire, au même emplacement, à partir de 1807. En 1812, il est affecté au roi de Rome, fils de Napoléon Ier et de Marie-Louise d’Autriche. Ce magnifique hôtel particulier à la française, de style néo-classique, ne sera jamais utilisé sous l’Empire mais servira de logement aux gouverneurs de Rambouillet durant la Restauration.

En 1832, le domaine de Rambouillet sort de la liste des biens affectés à l’usage du roi Louis-Philippe et le « palais du roi de Rome » est vendu. Il est acheté en par un négociant rambolitain qui, entre 1836 et 1841, fait démolir la partie centrale du corps de logis, entraînant ainsi la destruction d’un merveilleux vestibule à l’italienne. Le pavillon occidental, acheté en 1989 par la ville de Rambouillet, a vu ses façades et toitures classées Monument historique en 1995, en tant que témoignage de l’influence de la Renaissance italienne dans l’art du début du 19^ème siècle.

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Et pourquoi ne pas coupler cette visite (gratuite) avec celle du château de Rambouillet qui, propriété du comte de Toulouse et de son fils au XVIIIe siècle, devient la propriété de Louis XVI qui l'acheta pour assouvir sa passion de la chasse.

Dès 1880, les présidents de la République reprennent cette tradition mais il faut attendre Félix Faure en 1896 pour que le château devienne résidence présidentielle (particulièrement appréciée par Giscard d'Estaing).

Durant les dernières décennies du XXe siècle, la demeure a également servi de lieu de rencontre internationale : signature de l'accord de paix pour le Kosovo en 1999.

La visite du château meublé permet de découvrir, entre autres pièces, la chambre et la salle de bains de Napoléon !

Dans le magnifique domaine de 150 hectares (d'accès libre) qui entoure le château, le visiteur peut admirer la Laiterie de la Reine que Louis XVI offrit à sa femme Marie Antoinette ainsi que la Chaumière aux coquillages qui fut édifiée à la demande du duc de Penthièvre dans les années 1770 pour sa belle fille, la princesse de Lamballe.

Une promenade culturelle et dépaysante à 45 km de Paris !

Le musée départemental Albert-Kahn a ouvert ses portes le 2 avril 2022 après cinq ans de travaux. Le public y découvre un site de 4 hectares restructuré, alliant nouveaux bâtiments et restaurations respectueuses de l’histoire du lieu, pour un établissement entièrement repensé : un musée d’images tourné vers les questions de société, au cœur d’un jardin qui met le monde à portée de main, à l’instar du projet de son créateur Albert Kahn. 

Le nouveau bâtiment dessiné par l’architecte Kengo Kuma s’inspire de la relation particulière d’Albert Kahn avec le Japon : le projet architectural met en scène le rapport de la ville, du musée et du jardin.

Soit c’est un génie soit c’est un fou, disait le directeur de son école d’architecture le jour de sa remise de diplôme…

Antoni Gaudí (1852-1926) est le grand invité du musée d’Orsay, avec cette exposition magistrale, la première qui lui soit consacrée depuis près de 50 ans. Alors évidemment, les édifices les plus extravagants de l’artiste catalan n’ont pas fait le déplacement jusqu’à Paris, mais le visiteur peut pénétrer pas à pas au cœur de son atelier, pour tenter de saisir ses méthodes de travail résolument innovantes, travaillant à partir de miroirs ou réalisant des maquettes inversées…

Près de 100 ans après sa disparition, l'exposition célèbre le génie créatif de Gaudí qui s’exprimait aussi bien dans les détails de son mobilier (ex les boiseries en chêne sculpté de la casa Milà, un hôtel particulier de Barcelone), qu’à l’échelle d’un projet architectural hors du commun.

À travers cette exposition d’envergure, le Musée d’Orsay dévoile le véritable visage de ce grand maître de l’Art Nouveau, resté peut-être trop longtemps dans l’ombre de la mythique et éternellement inachevée Sagrada Familia…

Des photographies précieuses, documents d’archives et d’époque, maquettes et autres vestiges de son passé viennent accompagner les quelques dessins subsistants de l’artiste...

Des vidéos comme autant de fenêtres détaillant les réalisations mythiques de l'artiste : palais Güell, cloitre du Collège des Thérésiennes, crypte de la colonie Güell (un complexe industriel avec des logements ouvriers créé par Eusebi Güell), parc Güell, Casa Batllo, Casa Milà, choeur de la cathédrale de Majorque et bien évidemment la Sagrada Familia !

Des panneaux informatifs pour tenter de comprendre les innovations architecturales de Gaudí : l'adoption de l'arc parabolique qui a pour avantage de répartir les charges de manière égale tout en créant une atmosphère enveloppante, l'élévation des voûtes très en hauteur sur des colonnes inclinées sans recourir à des arc-boutants ni à des contreforts extérieurs, la maquette "polyfuniculaire" qui constituée de chaînes et de sachets de plomb permet de restituer le report des charges, la "pierre artificielle" qui permet de travailler l'espace intérieur comme un plan libre dégagé de tout support  ...

Mon seul regret : qu'il n'y ait pas eu plus de photos rétrospectives montrant l'évolution du chantier de la Sagrada Familia !

A voir absolument jusqu'au 17 juillet !

À travers la présentation de peintures, sculptures, photographies, films, œuvres textiles et littéraires, l'exposition propose de mettre en avant le rôle primordial des femmes françaises mais également européennes et américaines, dans le développement des grands mouvements artistiques de la modernité. Ces pionnières, comme Tamara de Lempicka, Sonia Delaunay, Tarsila do Amaral ou encore Chana Orloff, nées à la fin du XIXe ou au tout début du XXe siècle, accèdent enfin aux grandes écoles d’art jusqu’alors réservées aux hommes.

Au cours de ces éphémères années folles, beaucoup d’entre elles séjournent à Paris, pendant quelques semaines ou quelques années. Ces “femmes nouvelles” sont les premières à pouvoir être reconnues comme des artistes, posséder un atelier, une galerie ou une maison d’édition, diriger des ateliers dans des écoles d’art, représenter des corps nus, qu’ils soient masculins ou féminins. Ce sont les premières à avoir la possibilité de s’habiller comme elles l’entendent, de vivre leur sexualité quelle qu’elle soit, de choisir leur époux ou de ne pas se marier. Leur vie et leur corps, dont elles sont les premières à revendiquer l’entière propriété, sont les outils de leur travail, qu’elles réinventent dans tous les matériaux, sur tous les supports. L’interdisciplinarité et la performativité de leur création ont influencé des générations entières d’artistes et continuent d’influencer encore aujourd’hui.

Très fréquentée par des femmes mais également par des hommes, l'exposition propose plusieurs vidéos témoignages du foisonnement socio-culturel de cette époque : femmes travaillant dans les usines d'armement, Joséphine Baker en spectacle, Suzanne Lenglen sur un court de tennis...

L'exposition Gallen-Kallela (1865-1931) présente près de soixante-dix œuvres issues de collections publiques et privées, comptant notamment des prêts exceptionnels du Musée Gallen-Kallela d’Espoo, de ce peintre que les français ont pu découvrir lors d'une rétrospective au musée d'Orsay en 2012...

Homme au tempérament audacieux, disciple d'Edelfelt (exposé en ce moment au Petit Palais), figure cosmopolite, Gallen-Kallela a exploré une diversité de thèmes, de techniques et de supports à travers une double thématique : le mythe et la nature !

Évoluant du naturalisme au symbolisme en passant par l'expressionnisme, le peintre se confronte à la fin de sa vie au fauvisme qui inspire son tableau Les skieurs

Tournant le dos à la modernité urbaine, il a ancré son œuvre dans une nature sauvage d’une beauté majestueuse, en prenant pour motif les denses forêts et les innombrables lacs finlandais qui semblent habités de forces ancestrales, mythologiques et sacrées.

La construction de sa maison atelier Kalela en 1894, à deux-cents kilomètres au nord d'Helsinki, occupe une place centrale dans la définition tant artistique que conceptuelle du rôle de l’artiste dans la nature.

Deux films documentaires complètent l'exposition

A voir jusqu'au 25 juillet

C’est une des plus fabuleuses collections d’art privée de Paris ! Créée par les Néerlandais Fris Lugt et sa femme Jacoba Lugt-Klever dans le discret hôtel Turgot rue de Lille, la Fondation Custodia abrite plus de 80 000 œuvres sur papier, peintures, lettres d'artistes…

Dans l'exposition qui s'est terminée le 3 avril, la Fondation a réuni plus de 150 études à l’huile pour montrer l’essor de la peinture de plein air en Europe entre 1780 et 1870.

L’esquisse de plein air à l’huile, sur papier ou sur toile, fut adoptée par des artistes originaires de l’Europe entière, et au-delà : Camille Corot, Rosa Bonheur, John Constable, William Turner, et bien d’autres encore.

Le parcours n’est ni chronologique, ni organisé par écoles, mais se structure autour des motifs abordés : arbres, rochers, l’eau sous ses multiples formes, volcans, ciels, toits, Rome et la campagne romaine, Capri.

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La seconde exposition était consacrée à Charles Donker,  artiste néerlandais, né en 1940 à Utrecht.

D’abord regarder revient ainsi sur cinquante années de travail de Charles Donker, de ses eaux-fortes des années 1960 à ses aquarelles réalisées plus récemment un peu partout (en France, en Espagne, en Équateur, au Pérou ou en Israël…). Beaucoup de gravures représentent le bois qui borde l’atelier de Donker à Rhijnauwen aux Pays-Bas. Donker saisit ses paysages avec un remarquable sens du détail qui témoigne d’une fine observation, et nous les retranscrit dans l’atmosphère si particulière créée par la technique de l’eau-forte.

Les aquarelles réalisées par l’artiste dans les années 1990-2000, contrastent par leurs couleurs avec les autres œuvres de l’exposition. Elles font voyager le visiteur au sommet des Pyrénées, dans plusieurs pays d’Amérique du Sud, mais surtout dans des paysages qui évoquent volontiers un monde imaginaire.

Après les expositions consacrées aux Suédois Carl Larrson et Anders Zorn, le musée du Petit Palais poursuit sa passionnante exploration des artistes nordistes du XIXe siècle

Établi à Paris à partir de 1874, Albert Edelfelt (1854-1905) était considéré comme « le plus parisien des Finlandais et le plus finlandais des Parisiens ». Premier artiste finlandais à entrer dans les collections publiques françaises, il devient célèbre en 1886 avec son magistral Portrait de Louis Pasteur.

À travers un ensemble exceptionnel d'une centaine d’œuvres, cette première monographie française consacrée à Albert Edelfelt nous fait découvrir cet artiste typiquement nordique et profondément européen, influencé par le naturalisme, l'impressionnisme et la peinture historique de sa terre natale.

Portraitiste familial et mondain, il a représenté les enfants du tsar Alexandre III, Louis Pasteur et sa famille et les parisiennes qui l'enchantaient...

Chaque été le peintre retournait en Finlande, dans une maison en pleine nature et peignait la luminosité exceptionnelle du ciel du Nord !

Un très intéressant petit film nous décrit la genèse d'un de ses très jolis tableaux : enfants et nannies au jardin du Luxembourg...

A voir jusqu'au 10 juillet...

L’exposition propose une redécouverte de l'œuvre de Charles Camoin (Marseille 1879 - Paris 1965), figure méconnue du fauvisme et réunit une centaine de peintures et dessins, dont certains inédits ou rarement montrés, et ce à l’emplacement même de l’un de ses ateliers, le 12 rue Cortot qu’il occupa en 1908.

Suivant un parcours chronologique : découverte de Paris et de la bohème montmartroise, inspiration de son Sud natal, période expressionniste, destruction d'une grande partie de ses toiles en 1914, mobilisation durant la première guerre mondiale... l'accrochage retrace l'évolution du geste pictural fondé sur la sensation colorée de l'artiste, grand admirateur des impressionnistes...

Bien que le peintre ait toujours revendiqué son indépendance artistique et une approche personnelle de son art, son œuvre partage avec celle de ses camarades Matisse, Marquet ou Manguin des spécificités communes : l’affranchissement de l’imitation du réel, la recherche d’une expression intuitive, la simplification des formes ou encore l’apparence d’improvisation rapide...

Un avant goût d'été dans un très charmant musée dont le jardin surplombe les vignes de Montmartre !