Pour son 4ème long métrage, le réalisateur anglais Andrew Haigh a choisi d'adapter à l'écran le roman de l'écrivain américain Willy Vlautin : Lean on Pete

Lean on Pete est un cheval de course en fin de carrière dont s'éprend Charley (Charlie Plummer fabuleux de naturel), un adolescent de 15 ans qui a été abandonné par sa mère et vit à Portland avec un père immature 

Charley trouve un petit boulot chez Del (intéressant Steve Buscemi), un vieil entraîneur de chevaux bourru et fait la connaissance de Bonnie (excellente Chloë Sevigny), une femme jockey au tempérament maternel mais bien trempé

La gentillesse de Charley le fait apprécier de tous mais lorsque l'adolescent comprend que Lean on Pete est voué à une mort certaine, il décide de prendre la route avec le pur sang pour retrouver sa tante Margy qui vit dans le Wyoming...

L'intérêt du film réside dans ses multiples dimensions : récit initiatique d'un adolescent sensible et subtil, somptueux road movie à travers les plaines sauvages et désertiques de l'Oregon et de l'Idaho, manifeste sociétal dans l'évocation de l'abandon des laissés pour compte de la société américaine et enfin message optimiste sur la pérennité de la solidarité intergénérationnelle !

A voir en complément de The rider pour mieux appréhender l'Amérique qui, dit-on, aurait voté pour Trump !

Christian Petzold met en images le roman éponyme d'Anna Seghers qui avait déjà fait l'objet d'une adaptation par René Allio en 1990

Le livre s'inspire de la vie de la femme de lettres allemande, juive et communiste, qui fut arrêtée puis relâchée par la Gestapo, qui a fuit à Paris, puis à Marseille et s'est réfugiée au Mexique

Transposé dans le Marseille d'aujourd'hui, le scénario nous raconte l'histoire de la cité phocéenne en 1940 lorsque déserteurs, juifs et artistes opposants au nazisme se sont retrouvés acculés sur les rivages de la Méditerranée, en attente d'un hypothétique embarquement vers la liberté...

Le réalisateur nous livre sa réflexion sur le problème des migrants à travers l'histoire de Georg (impressionnant Franz Rogowski) qui, après avoir pris l'identité de l'écrivain Weidel qui s'est suicidé pour échapper à ses persécuteurs, inscrit ses pas dans ceux d'Anna Seghers et croise sur sa route des personnages sans patrie...

Son errance entre le port, son hôtel de fortune dans le quartier du Panier et les consulats du Mexique et des Etats Unis, le confronte tour à tour à Driss le fils de Weidel et à sa mère, à Marie (merveilleuse Paula Beer) qui attend son homme pour partir, à Richard (intéressant Godehard Giese) un pédiatre qui est tombé fou amoureux de Marie, un barman au grand coeur, une femme qui a hérité de 2 chiens, un chef d'orchestre...

Un film très original qui continue à résonner lorsque le générique de fin s'inscrit sur l'écran !

Wayne Roberts signe ici un merveilleux portrait de femme à fleur de peau

Caméra à l'épaule, le réalisateur film avec tendresse Katie (merveilleuse Olivia Cooke), son héroïne au visage angélique !

Tout à la fois fragile et naïve, souriante et responsable, fraîche et empathique, Katie est serveuse dans un Diner au fin fond de l'Arizona

Katie, tout le monde l'aime : sa mère immature qu'elle fait vivre, sa patronne Maybelle (formidable Mary Steenburgen) avec laquelle elle a créé une jolie complicité, ses clients auxquels elle offre son sourire et son corps, parmi lesquels le routier Bear (magnifique James Belushi)

Car Katie rêve de quitter le désert qui l'a vue naître pour s'installer à San Francisco

La vie de Katie va comme elle va jusqu'à ce qu'elle tombe éperdument amoureuse de Bruno (impressionnant Christopher Abbott), un ancien prisonnier qui travaille dans un garage voisin...

Après quelques moments de pur bonheur, le quotidien de la jeune femme vire au cauchemar... la vie qu'elle s'était construite s'effondre comme un jeu de cartes...

Vaillante, Katie continue à garder la tête haute et trouve l'énergie de repartir vers son avenir...

Un film vibrant, illuminé par la grâce fragile de la comédienne !

A voir absolument d'autant que le film entame sa seconde semaine et n'est plus programmé que dans 5 salles à Paris/RP  

En 1918 le peintre Marc Chagall est nommé commissaire des beaux arts de sa ville natale, Vitebsk, située aujourd'hui en Biélorussie

Il donne vie à un grand projet : créer une école populaire, gratuite et ouverte à tous et demande à Lissitzky de le rejoindre comme enseignant 

A travers un ensemble inédit de 250 oeuvres et documents, le Centre Pompidou retrace l'histoire de cette période de fébrilité artistique durant laquelle l'école de Vitebsk se mue en laboratoire révolutionnaire

A l'écart des métropoles russes, au lendemain de la Révolution d'Octobre, se joue un véritable projet de société  

Alors que Chagall rêve de faire coexister dans l'école un "art de gauche" fondé sur une pluralité de tendances, de l'art figuratif à l'abstraction, il est rapidement écarté par Malévitch, architecte de formation et maître d'atelier, qui a créé un collectif Ounovis dont les formes suprématistes (le carré, le rond...) infusent toutes les sphères de la vie sociale : "usines, tramways et tribunes rayonnaient alors de leurs peintures"

Une exposition rare, de magnifiques tableaux de Chagall, une vidéo très instructive pour mieux comprendre ce qui s'est joué à Vitebsk, ville où en 1918 les juifs étaient assignés à résidence...

Christophe Malavoy et Tom Novembre sont les interprètes d'une histoire qui plonge ses racines dans les années noires du nazisme...

Nous sommes au Philharmonique de Genève dans la loge du chef d'orchestre à renommée internationale Hans Peter Miller...

Les applaudissements s'éteignent quand le maestro (Tom Novembre) entend frapper à sa porte...

Énervé qu'on ose le déranger, il finit par céder de mauvaise grâce et fait entrer un homme modeste avec sa valise de cuir bouilli : Léon Dinkel (Christophe Malavoy) se présente comme un grand admirateur venu tout spécialement de Belgique pour l'applaudir...

Il désire un autographe pour lui... et un autre pour sa femme... Léon Dinkel s'en retourne satisfait puis revient pour demander une photo dédicacée...

Le va et vient du visiteur nocturne ne va pas cesser de s'intensifier, plongeant petit à petit le grand chef d'orchestre dans l'agacement, la colère, la stupeur, la dénégation, le souvenir, la peur puis enfin l'humiliation...

Si Christophe Malavoy est bouleversant d'humanité, Tom Novembre est un peu moins convaincant dans son assurance mensongère des premiers échanges mais il excelle lorsqu'il perd pied face à cet adversaire surgi de son passé !

Eloïse Lang, à qui l'on doit Connasse, princesse des coeurs a réalisé un remake d'un film suédois...

Elle nous conte l'histoire d'un trio mère /filles qui se retrouve dans un club de vacances à l'île de la Réunion...

La mère Françoise (Miou Miou égale à elle-même) vient de se faire larguer par son mari... Ses deux filles Rose (Camille Cottin excellente dans un rôle de nana rock'roll) et Alice (Camille Chamoux sage et rangée) ont décidé de "sauver leur mère" en lui changeant les idées...

La première partie du film est un peu démonstrative : le scénario oppose les 2 soeurs et insiste sur le dépression de la mère...

Quand Thierry (excellent Johan Heldenbergh) s'invite dans le trio, le film prend une toute autre dimension... La comédie continue mais les 3 femmes "bougent" et pas toujours comme on l'aurait attendu !

Pour se mettre en vacances !

Le théâtre du Poche Montparnasse nous invite à découvrir cette pièce écrite par Villiers de l'Isle-Adam en 1870...

Il nous raconte la révolte d'Elisabeth, une jeune femme éprise d'idéal qui ne supporte plus sa vie aux côtés de Félix, son banquier de mari...

Mariée depuis quatre ans, Elisabeth est une femme "parfaite" : parfaite épouse, parfaite mère d'une petite fille et parfaite business woman puisque comptable autodidacte de génie, elle a triplé la fortune de son mari !

Elisabeth (pâle et fragile Julie-Marie Parmentier) décide un soir de quitter le foyer conjugal à la complète surprise de son mari (Olivier Cruveiller), en lui laissant sa fille puisque, dit-elle, le droit ne lui confiera pas sa garde...

La mise en scène minimaliste de Charles Tordjman accentue la modernité du discours de la féministe et post-capitaliste Elisabeth qui ne supporte plus de "faire" de l'argent pour l'argent en allant jusqu'à expulser les locataires qui ne peuvent pas payer leur loyer...

Quand Elisabeth reviendra quelques heures après, ayant compris que sa fuite était vaine, qu'elle ne pourrait pas se battre contre le "système bourgeois" qui broie les rêves, elle trouvera son mari "évanoui" de surprise mais prêt à l'accueillir sans rancune...

Le propos est passionnant mais les longs monologues d'Elisabeth récités "façon Comédie Française", rendent malheureusement le texte un peu soporifique...  

Le peintre tchèque Frantisek Kupka (1871-1957), intellectuel pacifiste et féru de philosophie conjugue avec bonheur, tout au long de son parcours artistique, histoire et modernité...

La rétrospective propose de suivre, à travers près de 300 oeuvres, le cheminement du peintre vers l'abstraction, dont il est l'un des pères fondateurs avec Kandinsky et Malevitch...

Après des études aux Beaux Arts de Prague, le jeune artiste originaire de Bohême débarque à Montmartre en 1896...

Après un détour par le symbolisme et la caricature de presse pour gagner sa vie, Kupka se remet à la peinture et s'interroge dans la série des "Gigolettes" sur la question de la représentation...

Entre 1907 et 1911, l'évolution du style de Kupka est fulgurante : sans abandonner la couleur qu'il affectionnera toute sa vie, il opte pour une forme de représentation fondée sur l'autonomie de la couleur et amorce son évolution vers la transcription du mouvement : La Baigneuse, La gamme jaune (autoportrait en jaune) et La petite fille au ballon constituent les oeuvres majeures de cette période

A partir de 1911, Kupka passe par une recherche proche du fauvisme à travers deux tableaux emblématiques : Portrait de famille et Grand nu puis adopte la division du fond en aplats avec Femme dans les triangles, Portrait du musicien Follot et Le miroir ovale... 

Passionné de sciences, le peintre décide de rompre avec le mimétisme et créer une nouvelle réalité picturale avec Les disques de Newton et Amorpha, fugue à deux couleurs, et Amorpha chromatique...

A partir de 1912, il organise l'espace de ses tableaux  au moyen d'éléments formels, telles les lignes, les verticales, les diagonales ou encore les courbes

Dans les années 20, fasciné par l'architecture ascensionnelle et le constructivisme, il réalise des toiles au message spirituel faisant référence aux vitraux gothiques

Après un passage par le "Machinisme", il renoue dans les années 30 avec l'abstraction et les combinaisons de figures géométriques mais n'abandonne jamais la couleur

Une magnifique exposition pour célébrer ce peintre en recherche permanente, au carrefour de tous les mouvements de la moitié du XXe siècle ! 

Foujita (1886-1968), peintre japonais naturalisé français en 1955 est un jeune prodige de la peinture...

Encouragé par son général et médecin de père qui le déclare "peintre de la famille" à 4 ans, il voit l'un de ses dessins sélectionné pour l'exposition universelle de Paris alors qu'il n'avait que 14 ans...

Soutenu par son père très ouvert aux idées progressistes de l'Occident, il prend des cours de français à 17 ans et réussit 3 ans plus tard à convaincre son père de lui payer le voyage vers la France !

Trop âgé pour s'inscrire aux Beaux Arts, il prend une carte de copiste au Louvre et rencontre très rapidement le tout Montparnasse de la peinture et des lettres dont Picasso, Modigliani, Soutine et Desnos...

Evoluant entre deux cultures, son oeuvre fait la synthèse entre le classicisme des grands maîtres occidentaux et ses illustres prédécesseurs japonais tel Hokusai qui, comme lui maniait le pinceau avec virtuosité...

Le trait de Foujita se révèle d'une sûreté infaillible et ses lignes d'une finesse calligraphique exemplaire avec l'utilisation du sumi (encre noire japonaise), autant sur le papier que pour ses huiles ; il laisse à la couleur un rôle secondaire mais décisif, faisant par exemple ressortir la magnifique chevelure dorée de sa femme Youki sur un décor de draps blancs...

Véritable figure des années folles, il connait très vite le succès et se spécialise dans des thèmes récurrents qui le rendent définitivement singulier : femmes, chats, natures mortes, enfants et autoportraits...

"Artiste total", il ne cesse de travailler et confectionne ses costumes, crée sa vaisselle, filme et photographie...

En tout cas, un très grand artiste à découvrir ou à redécouvrir dans l'écrin du musée Maillol !

La scénariste, réalisatrice et productrice chinoise Chloé Zhao signe avec The rider, son second long métrage tourné, comme son film précédent Les chansons que mes frères m'ont apprises, dans la réserve indienne de Pine Ridge dans le Dakota du Sud...

C'est en 2013 que Chloé Zhao a rencontré un groupe de cowboys Lakota. Ils sont nés et ont grandi dans la réserve et sont à la fois des sioux Lakota et d'authentiques cowboys.

Le film nous raconte l'histoire véridique de Brady Jandreau, dresseur de chevaux sauvages et jeune professionnel de rodéo... qui le 1er avril 2016 a chuté de son cheval qui s'est cabré et s'est fait piétiner la tête...

A son réveil après 3 jours de coma, les médecins recommandent à Brady de ne plus monter du tout...

La caméra nous attache aux pas de Brady qui tente de se reconstruire au sein de sa famille et de ses amis... car comme l'a raconté Brady à Chloé : "Si un animal dans les parages avait été blessé comme je l'ai été, il se serait fait piquer. On m'a gardé en vie au motif que je suis un humain, mais cela ne suffit pas. Je suis inutile si je ne peux pas accomplir ce à quoi je suis destiné"

Dans ce magnifique décor aux couchers de soleil panoramiques, Brady, orphelin de mère, a été élevé par son cowboy de père Tim qui a lui a tout appris... 

Brady, Tim et Lilly la soeur vive et enjouée de Brady (atteinte du syndrome d'Asperger) interprètent leur propre rôle et, même si l'on n'aime pas particulièrement les chevaux ni les grandes plaines sauvages, The rider nous immerge littéralement dans le quotidien de ces "héros ordinaires" qui pratiquent, à l'instar de L'homme qui murmurait à l'oreille des chevaux, un fascinant ballet de séduction réciproque pour dompter et apprivoiser l'animal...

Un très beau film sur la place du masculin aux Etats Unis !