expos

Né en 1972 à Versailles, Gérald Engelvin est un habitué de la Galerie Portal de Saint-Jean de Luz...

Peintre français autodidacte dont le travail se caractérise par une palette de couleurs délicates, mises en valeur par une facture sobre et épurée, son thème de prédilection est l'enfance, et plus particulièrement celle de ses filles !

Sa peinture nous offre de douces images intemporelles d’enfants sages, espiègles ou boudeurs, de dos ou de profils, allongés sur un canapé, occupés avec un livre, ou jouant ensemble… se prêtant au pinceau du peintre comme à un photographe... qu'ils ne regarderaient pas...

Son œuvre s'enrichit aujourd'hui d'une série de charmants "Pierrot" aux visages enfouis dans leurs pensées...

Et pour les amoureux de la Côte Basque, d'une production toute récente de toiles magnifiant l’architecture si particulière de la ville de Biarritz !

A voir jusqu'au 8 juin 2024 !

La Cité de l'architecture et du patrimoine, en association avec la Société du Grand Paris, consacre une exposition inédite à l'histoire du métro parisien !

En effet, le projet du Grand Paris Express qui va permettre de faire circuler chaque jour entre deux et trois millions de voyageurs, impacte la vie de toute l'Ile de France en créant  de nouveaux pôles, en remodelant les territoires autour des nouveaux axes de communication... pour notamment améliorer les déplacements de banlieue à banlieue.

A travers plus de 200 documents (archives, cartes, photos, illustrations, tableaux, manuscrits, maquettes, objets de collection...), cette très riche exposition nous fait remonter le temps jusqu'en 1900, date de la naissance du métropolitain à Paris, avec l'inauguration de la ligne 1 entre Porte Maillot et Porte de Vincennes

Scénarisé autour d'un parcours chronologique, le parcours nous permet de découvrir l'histoire du métropolitain à Paris à travers :

- ses aspects techniques, avec par exemple la méthode de cheminement par bouclier ou bien le premier passage du métro sous la Seine ou encore la construction complexe de certaines stations (Abbesses,  Opéra, Danube...)

- son esthétique avec notamment l’arrivée du style d'Hector Guimard, maître de l'Art nouveau...

Jusqu'à son extension, en banlieue : approuvée en 1928, elle devient une réalité en 1934, tandis que le Réseau Express Régional (RER) se concrétise en 1965. 

Puis arrive la découverte de ce que sera le métro de demain dont les chiffres à l'horizon 2030 donnent le vertige : une vitesse de 55 à 65 km/h, une rame toutes les 2 à 3 minutes, l'ouverture de 68 nouvelles gares avec 90% en souterrain et 4 nouvelles lignes de métro... La maquette d'un tunnelier de la boucle du Grand Paris Express nous permet de mieux appréhender le savoir-faire de l'ingénierie française !

Place ensuite à l'art, très présent, au même titre que l'urbanisme, dans ce projet du Grand Paris Express.  avec pas moins de 34 tandems désignés (architectes et artistes) pour embellir ces futures gares.

Ainsi, plusieurs illustrateurs et artistes contemporains ont créé des œuvres spécialement pour cette exposition, inspirées directement des toutes nouvelles stations de métro, attendues avec impatience par les millions de Franciliens. On découvre alors dans une version réduite, ce que sera la gare de Clichy-Montfermeil imaginée par le tandem formé par JR et Benedetta Tagliabue, celle de Saint-Maur-Créteil (future gare la plus profonde de France) avec le duo Susanna Fritscher et Cyril Tretout, celle de l'aéroport d'Orly (futur terminus de la ligne 14) avec Vhils et François Tamisier, celle de l'Hôpital Bicêtre avec Eva Jospin et Jean Paul Viguier, ou encore celle de Saint-Denis Pleyel avec Prune Nourry et Kengo Kuma...

Enfin, l'exposition se termine par le couloir des illustrateurs avec les œuvres d'Enki Bilal à la gare d'Issy, d'Alice Saey à la gare de la Courneuve Six-Routes ou encore d'Edmond Baudoin en gare de l'Aéroport d’Orly. A noter que ces œuvres prendront place des deux côtés de la voie et seront montées sur des plaques de métal.

Un voyage enrichissant (nous y avons passé 3 heures et nous n'avons pas tout vu), à découvrir jusqu'au 2 juin 2024 !

L’exposition Paolo Roversi dévoile 50 ans de photographies, et révèle comment l’artiste s’est emparé de la mode pour créer une œuvre unique. Il s’agit de la première monographie consacrée au photographe à Paris.

Le visiteur découvre le parcours artistique d’un photographe de mode exceptionnel, à travers les 140 œuvres exposées (tirages Polaroid, au charbon, au platine, pigmentaires, chromogène, dye transfer...)

D’origine italienne, né en 1947 à Ravenne, Paolo Roversi s’installe à Paris en 1973 et travaille pour des magazines prestigieux (Vogue italien et français, Egoïste, Luncheon…). Sa carrière est marquée par sa collaboration avec les plus grands créateurs de mode, notamment Yohji Yamamoto, Romeo Gigli, Rei Kawakubo pour Comme des Garçons, Christian Dior, Gabrielle Chanel, Yves Saint Laurent, Romeo Gigli...

Dès ses années d’apprentissage, le choix du studio, de la chambre grand format et du Polaroid, définissent la manière de travailler et l’esthétique du photographe qui s’adapte au numérique avec succès. Sa signature est reconnaissable entre toutes : tonalités douces et sépia des noir et blanc à la lumière du jour, densité et profondeur des couleurs à la lumière de la lampe torche.

Paolo Roversi invente son propre langage photographique et se tient à la fois au cœur du système et à distance, loin des courants éphémères de la mode.

Les plus grands mannequins sont passés devant son objectif : portraits intenses en noir et blanc des fidèles Kate Moss ou Natalia Vodianova, nus cinématographiques, clichés de mode mêlant flou et touches de couleur. Le photographe aime faire poser ses modèles en studio et attend que l'émotion naisse pour réaliser un portrait qui éclot comme un moment unique.

Trois photos manquent à l'appel, peut-être ses plus célèbres: celles de la princesse Kate dévoilées pour ses 40 ans en janvier 2022. "C'est elle qui est très connue", confie à l'AFP Roversi, modeste et encore étonné de la résonance mondiale de ces images.

A voir jusqu'au 14 juillet 2024 !

Se faisant l’écho des Jeux Olympiques et Paralympiques qui se tiendront à Paris en 2024, le Palais Galliera interroge la place du vêtement dans la pratique d’activités physiques et sportives et son rapport au corps et au mouvement.

Le vêtement conçu à travers les époques pour l’activité physique et sportive est mis en regard du vêtement du quotidien. Ce dialogue questionne les notions de spécialisation du vêtement sportif, d’adaptation à la fin du XIXe siècle des tenues féminines pour la pratique physique, de la masculinisation du vêtement féminin, ou encore de l’introduction du sportswear dans le vestiaire quotidien. Enfin, l’évolution du corps, particulièrement du corps sportif, et la manière dont il est mis en valeur par le vêtement, sont mises en lumière afin de mieux comprendre comment la libération du corps à travers l’activité physique a contribué à l’évolution des mentalités et des canons de beauté. 

Costumes de bain, tenues de cycliste et d’amazone, manteaux et accessoires d’automobiliste, tailleurs de footing, ou encore sneakers répondent ainsi aux silhouettes caractéristiques de trois siècles d’histoire de la mode.

Riche d’environ 200 œuvres, ce parcours chronologique fait l'objet de trois accrochages successifs dont l'actuel et premier se termine le 15 mars (2ème accrochage du 20 avril au 5 janvier 2025 puis 3ème accrochage du 8 février au 7 septembre 2025).

La modernité absorbe les scandales qui rythment la vie artistique et finissent même par devenir des étapes incontournables de la consécration des artistes : la « cage aux fauves », le « Cubisme » de Braque et Picasso, le très érotique Nijinski en faune pour la création du Sacre du Printemps par les Ballets russes en 1913.

La modernité passe également par les progrès de la technique et de l’industrie. Tout s’accélère avec le développement des cycles, de l’automobile et de l’aviation auxquels des salons sont consacrés au Grand Palais. Le parcours, qui présente un aéroplane et une voiture Peugeot, montre comment la fréquentation de ces salons par des artistes comme Marcel Duchamp ou Robert Delaunay influence durablement leurs œuvres.

L’exposition entend également mettre en valeur le rôle des femmes durant cette période.  Des artistes comme Marie Laurencin, Sonia Delaunay, Jacqueline Marval, Marie Vassilieff ou encore Tamara de Lempicka participent pleinement aux avant-gardes. Symbole d’émancipation féminine, la silhouette de la garçonne est immortalisée par Victor Margueritte en 1922. Avec sa coupe courte et ses fines hanches, Joséphine Baker en est aussi l’incarnation.  L’Antillaise Aïcha Goblet, célèbre modèle d’artiste, est immortalisée par Vallotton.

Un parcours riche de 400 œuvres à admirer jusqu'au 14 avril 2024 !

1. Visions chamaniques en Amazonie occidentale

Breuvage hallucinogène préparé à partir de plantes, l'ayahuasca est traditionnellement ingéré par les populations autochtones d'Amazonie péruvienne dans le cadre de leurs pratiques chamaniques, et ce principalement à des fins thérapeutiques ou de divination : cette substance qui procure des hallucinations visuelles et auditives permet aux autochtones d'aller à la rencontre des esprits des plantes et des animaux...

Si l'ayahuasca - littéralement "liane des morts", fascine le monde occidental depuis seulement un demi-siècle et sa popularisation par la Beat Generation, de nombreux occidentaux l'utilisent aujourd'hui afin de mieux se connaitre, à la manière d'un outil thérapeutique...

L’exposition explore, à différentes échelles culturelles et géographiques, la relation entre les "visions" suscitées par ce breuvage et la production artistique.

De l'iconographie géométrique et raffinée du peuple shibipo-konibo (Pérou) à l'émergence d'un courant de peinture visionnaire au sein des grandes villes d'Amazonie péruvienne, jusqu'aux créations occidentales des 20e et 21e siècles, le parcours offre une véritable plongée dans un art sous influence !

A voir jusqu'au 26 mai 2024

2. Kehinde Wiley : dédale du pouvoir à travers une série de portraits de chefs d'Etat africains

C'est à la faveur de l'élection de Barack Obama en 2018 que l'artiste américain a commencé à s'interroger sur la question du leadership présidentiel...

Dès 2012, il parcourt, durant 10 ans, le continent africain pour rencontrer des présidents : avec chacun d'entre eux, il explore l'histoire du portrait aristocratique, royal et militaire dans l'Europe des 17e, 18e et 19e siècles pour réaliser des portraits reflétant le regard singulier de chaque leader sur ce que signifie pour lui /elle être un  dirigeant africain contemporain...

Les portraits révèlent l’identité d’un individu à travers le double prisme de l'artiste et de son modèle en mettant à nu les contours de l'ego ainsi que les différentes stratégies de communication relatives à la construction d’une image personnelle et publique.

A voir jusqu'au 14 janvier 2024

3. Bollywood superstars : histoire d'un cinéma indien

L’exposition retrace un siècle d’histoire du cinéma indien depuis ses sources mythologiques et artistiques jusqu’au culte de ses acteurs et actrices contemporains, nouveaux dieux de l’écran.

Avec plus de 1500 films par an, l'industrie cinématographique indienne est la plus importante au monde !

Depuis les premiers films muets des années 1920 inspirés des récits hindous, jusqu'aux blockbusters contemporains portés par des superstars, les cinémas indiens suscitent une ferveur populaire inégalée.

Pour retracer ce siècle d’histoire, l’exposition met en dialogue œuvres d’arts, objets historiques et projections sur grand écran à travers une scénographie immersive.

Le parcours rappelle d’abord la filiation du premier cinéma avec les arts populaires du spectacle. À la manière des représentations de théâtres d’ombres, de lanternes magiques et des conteurs itinérants, les premiers films sont projetés dans des salles ambulantes et réadaptent des récits mythologiques millénaires. Dans le contexte de construction nationale et de l’indépendance indienne, les dieux et les grands monarques inspirent les premiers blockbusters capables de fédérer un vaste public, au-delà des clivages régionaux et linguistiques du sous-continent.

L’exposition se termine avec les acteurs et le phénomène du « star system » indien.

A voir jusqu'au 14 janvier 2024

Une exposition exceptionnelle , hélas trop fréquentée, à voir jusqu'au 4 février 2024 !

Première rétrospective en France consacrée au peintre américain Mark Rothko (1903-1970) depuis celle du Musée d’Art moderne de la Ville de Paris en 1999, l’exposition présentée à la Fondation réunit quelque 115 œuvres provenant des plus grandes collections institutionnelles, notamment de la National Gallery of Art de Washington, de la Tate de Londres et de la Phillips Collection de Washington, et de collections privées internationales dont celle de la famille de l’artiste.

Se déployant selon un parcours chronologique, l'exposition de la Fondation Louis Vuitton retrace l’ensemble de la carrière de l’artiste depuis ses premières peintures figuratives jusqu’à l’abstraction qui définit aujourd’hui son œuvre.